[월간 '샘터' 웹진 www.isamtoh.com / 2001. 1] 서울 호암갤러리에서 2001년 1월 25일까지 열리는 ‘이인성 작고 50주기 회고전’을 찾아가 보았습니다. 이인성(1912~1950)은 인상주의 화풍을 한국인의 시각으로 탁월히 소화해낸 작가로 인정받고 있지만, 1950년 불의의 총기 오발 사고로 사망하면서 작품 세계가 묻혀왔습니다. 이번 전시는 1972년 서울화랑 회고전 이후 최대 규모로, 작품 95점과 당시의 보도자료ㆍ사진ㆍ유품 등이 전시돼, 이인성의 그림과 삶의 궤적을 조망했습니다.

1912년 대구에서 태어난 이인성은 비교적 늦은 나이인 11세에 오늘날의 초등학교 격인 수창공립보통학교에 입학한데다, 보통학교 졸업 후엔 중학교에 진학하지 못했습니다. 그러나 10대의 나이에 조선미술전람회에서 두 차례 입선하고 20세에는 특선을 수상한 그의 자질을 눈여겨본 주위 사람들의 도움으로 일본 유학을 떠납니다.

낮에는 도쿄의 오오사마 상회에서 일하고, 밤에는 태평양미술학교 야간부에서 그림 공부를 하면서 본격적인 근대 미술 수업을 받게 되지요. 이후 이인성은 일본과 한국에서 잇단 수상 소식을 전하며 1937년 26세의 젊은 나이에 조선미술전람회 서양화부 추천 작가가 되는 등 작가적 위상을 굳혔습니다. 그의 왕성한 창작 활동은, 당시 가장 권위 있는 미술제전인 조선미술전람회에 1929년부터 1944년까지 한해도 빠짐없이 출품한 것에서 확인됩니다.

대개 수채화는 종이에 그려지는 것이 보편적인데, 전시된 그림 중에는 캔버스 위에 그려진 것도 있어 이채롭습니다. 1934년 작품 ‘여름 실내에서’를 보면 이인성의 작가적 역량을 확인하게 됩니다. 보통 수채화 하면 물의 번짐을 이용한 투명하고 가벼운 효과를 떠올리게 되지만, 그의 불투명 수채화는 엷게 그린 유화로 착각할 만큼 견고한 느낌을 줍니다.

이 그림은 인상주의 그림에서 볼 수 있는 빛에 대한 관심과 야수파의 그림을 연상시키는 강렬한 색채가 돋보입니다. 캔버스 천의 툭툭한 질감 위로 살짝 스며든 물감은 가로 방향의 터치가 살아있어 생동감이 넘치며, 정원이 내다보이는 창 넓은 거실에 놓여진 테이블과 이국적인 식물들은 서양식의 입식 거실을 묘사하고 있어 작가의 서구 지향적 취향을 반영합니다. 이인성은 고딕 풍의 신식 건물들 또한 즐겨 그렸는데, 1930년대 중반에 제작된 수채화 ‘계산동 성당’은 그 예라고 하겠습니다.

뒤이어 나열되는 정물화나 풍경화 역시, 서양 근대 미술 작가 중 하나의 작품을 갖다놓은 것이라고 해도 지나치지 않을 만큼 근대 미술의 여러 경향을 무리없이 소화하고 있습니다. 그러나 이와 같은 작품이 제작된 1930년대 한국 사회가 그다지 풍요롭지만은 않은 시절이었음을 감안할 때, 일반 대중의 삶과 유리된 지나치게 화려한 삶을 묘사하는 작품들은 아쉬움이 남습니다.

1934년의 작품 ‘가을 어느날’까지만 해도 여인의 옷차림새나 등장하는 식물들의 모습에서 ‘서구인의 시각으로 각색된 한국’이라는 인상이 짙지만, 마지막으로 그가 조선미술전람회에 출품했던 1944년의 역작 ‘해당화’는, 불의의 사고로 죽지 않았다면 작가가 다다랐을 향토성의 본질을 짐작케 하는 작품입니다. 해당화가 핀 바닷가에 앉아 무언가를 기다리는 세 여인의 모습은 연출된 오리엔탈리즘을 넘어 자연스럽습니다.

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[월간 '샘터' 웹진 www.isamtoh.com / 2000. 12]   예술의 도시 파리에는 도시를 가로질러 흐르는 세느강을 가운데 두고 세계적인 미술관 두 개가 마주 서 있습니다. 하나는 그 유명한 루브르 미술관이고 다른 하나가 바로 오르세 미술관입니다. 루브르 미술관은 르네상스와 고전주의ㆍ로코코 양식 건축물로서 고대 유물부터 18세기까지의 미술 작품을 소장ㆍ전시하고 있고, 오르세 미술관은 19세기 말에 지어진 건축물로서 소장 예술품도 19세기 말과 20세기 초를 대표하는 작품들입니다. 두 미술관의 소장품과 건물 자체가 당대를 대표하는 예술품인 셈이어서 두 미술관의 의미와 가치는 더욱 커 보입니다.

특히 오르세미술관은 근대미술과 현대미술을 잇는 사실주의, 상징주의, 그리고 인상주의 작품들을 다수 소장하고 있어 '19세기 미술관'이라는 별칭으로도 불립니다. 2001년 2월 27일까지 덕수궁미술관에서 열린 ‘오르세 미술관 한국전-인상파와 근대 미술’ 전에서는 회화 35점, 드로잉 13점, 사진 21점 및 미술관 모형 1점 등 오르세미술관 소장품 70점을 국내 최초로 소개했습니다.

오르세 미술관(Musee d'Orsay)은 원래 기차역과 호텔의 용도로 지어진 건물입니다. 요즘으로 치면 멀티플렉스 건물이라고나 할까요. 이 건물은 1878년 파리국립미술학교 건축학 교수 빅토르 랄루(Victor Laloux)가 설계해, 1900년 파리 만국박람회에 맞춰 개장했습니다. 1939년에 폐쇄됐으나, 1986년 건축가 가에 아울렌티(Gae Aulenti)에 의해 현재의 미술관 형태로 변신하였습니다. 19세기의 건축물을 원형과 거의 흡사한 수준으로 복원해 당시 건축 양식에 대한 생생한 자료가 되고 있습니다. 우리나라의 옛 건물들이 효율성 추구라는 명목 아래 하나둘씩 사라지고 있는 것과는 사뭇 대조적인 모습이지요.

제1전시실에 들어서면 가장 먼저 보이는 것이 르누아르의 ‘피아노 치는 소녀들’이군요. 인상주의하면 가장 먼저 떠오르는 것이 빛과 색채의 관계인데요, 그런 의미에서 ‘빛으로 그린 사람’이란 표현이 무색하지 않을 르누아르의 그림으로 전시를 여는 것은 적절한 선택인 듯 합니다.

르누아르의 그림 뒤로는 작가들의 모습을 담은 사진들이 있습니다. 정면을 보고 있는 사진도 몇 있지만, 대부분이 마치 약속이나 한 듯 시선을 왼편 45도 각도로 올려 어딘가를 바라보고 있어 웃음이 나왔습니다. 그 중에는 저명한 사진가 펠릭스 나다르(Felix Nadar, 1820~1910)가 촬영한 작품도 있어, 그의 솜씨를 확인할 수 있습니다.

그 뒤로 에드가 드가의 ‘발레 연습’이나 클로드 모네의 ‘생-라자르 기차역’, 에두아르 마네의 '로슈포르의 탈출'과 같은, 인지도가 비교적 높은 작가의 작품들과 알프레드 시슬레의 ‘루브시엔 설경’, 까미유 코로의 ‘물가의 버드나무’, 그리고 귀스타브 쿠르베의 사실주의적 작품 '샘' 등이 눈에 띕니다.

아, 그리고 이번 전시에서 가장 많은 사람들의 눈길을 받았음직한 장 프랑수아 밀레(Jean Francois Millet, 1814~1875)의 ‘이삭줍기’를 빼놓을 수 없지요. 소형 복제 그림에서는 눈에 잘 띄지 않았던 부분을 자세히 보면서 예전과는 다른 느낌을 받았습니다. 예전엔 그냥 농촌의 정경을 그린 차분한 그림으로 생각했는데, 큰 그림으로 보니 지평선 근처에 보이는 풍성한 수확을 거둔 사람들의 무리와, 추수가 끝난 뒤의 황량한 들판에서 떨어진 이삭을 주워 생계를 유지하는 세 아낙의 모습이 뚜렷한 대조를 이루더군요. 비록 전면에 배치된 세 아낙의 형상이 화면의 거의 전체를 차지하고는 있지만, 멀리 떨어져 있는 풍요로운 사람들의 모습과 대조되면서 그들의 쓸쓸함이랄까, 삶의 고단함이 더욱 확장되는 느낌을 받았습니다.

제2전시실에 전시된 그림들은 전체적으로 크기가 작습니다. 전시장에 들어서면 가장 먼저 볼 수 있는 폴 세잔느의 그림들은 “자연은 원통, 원뿔, 원추로 되어있다.”라고 표현한 그의 말처럼 작은 색면을 쌓아올리면서 입체적인 형태를 표현하는 견고한 면 처리라든가, ‘바구니가 있는 정물’에서 보이는 다중시점 화법이 눈길을 끕니다.

그밖에 빈센트 반 고흐의 ‘생 레미의 생 폴 정신병원’, 조르쥬 쇠라의 ‘푸른 옷의 농촌 아이’, 툴루즈 로트렉의 ‘사창가의 여인’ 등 익숙한 작가들의 작품이 눈에 띄지만 그들의 대표작이라 할 만한 작품은 전시되지 않았고 그나마 한 점씩 뿐이라 아쉬움이 남았습니다. 또 전시장 거의 끝 부분의 파리 만국박람회 때의 사진들은 100년 전의 파리 모습을 확인할 수 있는 좋은 자료였지만, 전반적으로 사진의 크기가 작아서 보기에는 좀 힘들었구요.

아는 것과 느끼는 것은 다르다는 말이 있습니다. 미술사 책을 읽거나 작가의 전기를 읽으면서 그림의 맥락을 읽는 눈을 갖는 것도 중요하지만, 그림에 대한 앎이 피상적인 것이 되지 않기 위해서는 원작을 직접 보면서 느끼는 것이 가장 좋은 방법이 아닐까 생각됩니다.

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[영화포털 엔키노/2000. 10]
느낀대로 감정을 표현하지 않고 효과적인 자기관리를 할 수 있는 사람이 ‘어른스럽다’는 평가를 받는 사회에서는, 감정을 그대로 노출하다가는 정신적으로 미성숙한 사람이거나 사회성이 부족한 사람으로 취급받기 일쑤입니다. 그래서 대부분의 사람들은 '본래의 감정'이란 통제하기 어려운 녀석과 손잡고 다니기보다는, 의례적인 웃음을 얼굴에 띄우는 길을 선택합니다.

‘내가 기쁠 때 같이 기뻐해 주고, 슬플 때 같이 슬퍼해 줄 사람’을 마음 속으로 찾는 이들이 많은 것도 이런 감정관리에 지친 탓이겠지요. 그러나 현실에서 타인과 그런 관계를 맺기란 쉽지 않습니다. 아마도 가족이 아니라면, 사랑의 달콤한 환상 속에서 빠져 있는 연인 사이에서나 가능한 일일까요.

그렇지만 당신의 통제하기 버거운 감정을 아무 조건 없이 받아주는 공간이 있다면 어떨까요? 지금 소개하는 김범의 `유틸리티 폴더`가 그렇습니다. 이 전시를 보려면 `유틸리티 폴더`웹사이트에서 폴더 아이콘을 클릭하기만 하면 됩니다. `유틸리티 폴더`전은 대관전시가 아닌 인터넷 전시니까요.

접속환경만 갖춰져 있다면, 장소와 시간의 제약 없이 다수의 사람들이 동일한 조건으로 작품을 감상하는 것이 가능한 인터넷 전시는 예전부터 대안적인 전시문화로 제안돼 왔지만, 대관전시가 주류를 이루는 미술계의 특성상 오프라인 전시의 리뷰 성격을 띠거나 개인홈페이지 내의 갤러리 같은 부속개념으로 받아들여지는 경우가 대부분이었지요. 또 원본이 이미지 파일로 전환되면서 원래 질감의 입체적인 감상이 불가능하게 된다는 한계도 있었습니다.

그러나 이번의 김범 작업은 다릅니다. 전시된 작품의 감상과 향유는 프린터에서 출력물을 뽑아 벽에 붙이거나, 지시를 따르기만 하면 완성되는 아주 간단한 절차를 거칩니다. 모든 작품이 단순한 2D 그래픽과 텍스트로 이뤄졌기 때문에, 원본과 사본의 차이 없이 온전한 전시를 감상할 수 있습니다. 단, 관람객이 직접 작품제작의 주체가 될 수 있도록 한 폴더 속의 지시내용은 좀 엉뚱해서, 합리주의적 사고방식에 길들여진 사람이라면 어이없어 할 지도 모릅니다.

유틸리티 폴더를 클릭하고 들어가면 여섯 개의 아이콘이 뜹니다.
간단히 설명을 드리자면, 첫 번째 항목 ‘유틸리티에 대하여’와 마지막의 ‘Site Memo’는 안내문 성격을 띠고 있고, 본 전시 내용은 ‘비정’, ‘대리인’, ‘탈 것’, ‘CowardJar’입니다. 그중에서 우선 ‘대리인’폴더를 클릭해서 안내문을 읽어보죠. 전 두 명의 대리인 중 LovelyWeeper를 선택했습니다.

아이콘 속 지시사항은 이렇군요.
1. 프린터를 이용하여 LovelyWeeper.img 파일의 이미지를 인쇄합니다.
2. 이미지의 귀 부분에 희게 표시된 점들을 연필, 볼펜, 못 따위로 뚫습니다.
3. 인쇄된 이미지를 어딘가 구석에 붙여두고, 보고 들은 슬픈 일들에 대해
사용자가 직접 울 수 없을 때마다, 그 일들에 대해 들려주어 대신 울고 있도록 합니다.


그림에 구멍을 뚫는 행위는 감상자의 풀리지 않은 슬픔에 숨구멍을 내어 주는 역할을 합니다. 롤랑 바르트가 언급한 푼크툼과 맥락을 같이하는 작은 구멍들은 1차적으로는 관람자의 마음을 날카롭게 관통했던 상처의 재현이지만, 이와 같은 주술적인 재현을 거치면서 억압된 감정을 자유롭게 하는 상징적인 배출구로 작용하게 되는 것이죠. 일종의 내적 치유의 성격도 갖고 있다고 생각됩니다.

소개해드린 LovelyWeeper 외에도 많은 친구들이 당신의 방문을 기다리고 있습니다. 전시를 보고 나면 “이게 뭐야?”-.-;하고 투덜거릴 분들도 계시겠지만, 개인적으로는 거대담론을 주제로 삼는 전시보다 마음에 와 닿았습니다. 김범씨의 화법은 표면적으로는 단순하지만 의미는 복합적이어서, 아마 제가 느낀 것과 작가의 의도는 좀 다를 지도 모르겠습니다만, 사람은 자신에게 가장 절실한 것에 반응한다고 하니까요. 유틸리티 폴더를 열었을 때, 여러분에게 가장 유용한 것은 무엇일지 궁금해집니다.

* 지금은 온라인전시가 끝나 웹사이트가 닫혔답니다. 아쉽지요...

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[영화포털 엔키노/2000. 10] SF영화들을 보면, 긴박한 상황에서 종종 등장하는 장면이 있습니다. 우주선에서 공기가 빠져나가지 않도록, 혹은 에일리언이 쫓아오지 못하도록, 혹은 방사능 오염으로부터 내부를 보호할 수 있도록 긴 통로 한쪽 끝부터 순차적으로 닫히는 문. 내가 통과한 뒤 문이 닫히면 스릴 만점이겠지만, 바로 눈앞에서 그 문이 퉁 떨어져 내릴 때의 암담함이란...윽∼상상하기도 싫습니다. 

제 눈에 비친 김영삼의 작업은 위에서 언급한 것처럼 퉁, 퉁, 떨어져 내리는 문의 이미지로 남았습니다. SF영화의 한 장면을 인용하면서 글을 시작한 터라 비디오작업을 연상하실 지도 모르지만, 그의 작업은 이른바 일반인들에겐 `비인기 종목`인 추상회화입니다. 장황한 이론적 배경을 늘어놓으며 현학적인 게임을 즐기는 작가도 있습니다만, 그는 라깡이나 보드리야르를 들먹이며 썰을 풀지도 않습니다. 그렇다고 공모전에서 당선된 작가냐 하면, 그렇지도 않습니다.

그는 자비로 대관료를 치러 일주일 동안 전시를 하고, 전시가 끝나는 화요일이면 빡빡한 일상으로 돌아가 작업과 생계유지를 병행해야 하는, 이른바 무명작가입니다. 그럼에도 불구하고 그의 그림이 제 기억에 남았던 것은, 그 절박한 순간의 감정이 그림 속에서 선명하게 전달되고 있기 때문입니다.

전시장 벽에 걸린 그림들은 흐릿한 얼룩 위에 교차되는 불규칙한 가로선 혹은 세로선으로 이뤄져 있습니다. 십자형이 여러 개 중복된 것처럼 보이는형태들은 작가가 1997년도부터 창살을 그리다가 우연히 가로선을 긋게 되면서 나온 것입니다. 하늘에서 떨어지는 창살의 이미지에, 옆에서 불쑥 튀어나오는 장애물의 이미지가 합쳐지면서 시각적인 압박감은 더욱 커집니다. 버거운 과제를 해치우듯 삶을 살아내는 작가 앞에 펼쳐지는 사건들이 일종의 거대한 쇠창살처럼 표현되는 것이지요. `삶은 장애물 경기와 같다`는 작가의 생각이 이렇게 중첩되는 검은 선으로 나타납니다. 또 검은색의 선 뒤에서 대립을 이루는 적색과 녹색의 색면 처리는 강한 대비를 이루며 내면의 갈등구조를 드러냅니다.

전시장이 회화작품으로 채워져 있는 반면, 바닥 한쪽에는 흰색 부직포 조각들이 잔뜩 쌓여있는 것이 보입니다. 자세히 들여다보니 십자형태를 일일이 손바느질해서 만든 것으로, 마치 허물을 벗은 듯한 모습이 인상깊었습니다.

작가는 원래 솜을 채워 넣어 통통한 형태로 전시하기로 계획했었지만, 수많은 십자 형태를 만들어내는 동안 지금 상태대로 전시하기로 마음을 바꾸었다고 합니다. 바닥에 아무렇게나 널브러져 있는 그 모습이 마치 병원침대에서 끄집어낸 시트 같기도 하고, 평면회화에서 보이는 창살 이미지가 표백되어 그림 밖으로 튀어나온 것처럼 보이기도 했습니다.

어쨌거나, 자신의 삶이 그렇게 힘든 것은 아니었다고 작가는 말합니다. 눈앞을 막아서는 건 외부의 무언가가 아니라 자기 자신이었다는 깨달음을 창작과정에서 얻게 되었고, 그로 인해 의연함을 가질 수 있었기 때문이죠. 자신을 공격하는 힘의 정체를 알지 못하는 사람은 그 힘이 어떤 모습을 하고 쳐들어올지 마음졸이며 기다릴 뿐이지만, 그 실체를 파악한 사람은 적어도 무엇과 싸워야 할 것인지는 결정할 수 있습니다. 삶에 있어서 자신이 결정권을 갖는다는 것은 한편으론 힘겹지만, 한편으론 뿌듯한 일이지요. 그 소중한 권리를 포기하지 않고 끝까지 작업을 계속할 수 있길 기대합니다.

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[영화포털 엔키노/2000. 10] 볼일이 있어서 인사동 쪽으로 나갔다가 눈앞에 펼쳐진 광경에 깜짝 놀랐습니다. 예전에 낡아빠진 육교가 서 있던 자리에, 빨간 카펫이며 황토색 바탕에 검은 얼룩무늬가 있는 천을 둘러쓴 녀석이 떡 버티고 서 있었으니 말이죠.

무늬 때문인지, 마치 거대한 호랑이 한 마리가 다리를 쩍 벌리고 네거리에 우뚝 서 있는 것 같은 느낌마저 들었습니다. 처음엔 인사동도 ASEM회의 때문에 이렇게 변신한 건가? 하고 생각했는데, 가만히 살펴보니, 설치미술가 홍현숙씨의 작품이더군요. (ASEM이랑은 아무 관계도 없었습니당.^^;)

형식면에서 보았을 때에는 거대한 천과 끈을 사용해서 공공건물이나 특정 지역을 말 그대로 포장해버리는 크리스토의 작업도 연상됐습니다만, 크리스토의 작업이 심플한 선물 같은 느낌이라면, 홍현숙의 작업에서는 동물적인 생동감이 느껴집니다. 호랑이 가죽무늬 천의 부드러운 촉감과 현란한 무늬 , 계단에 깔린 붉은 카펫에서 어렴풋이 그런 인상을 받을 수 있고, 작가노트를 읽어보면 그 느낌은 더욱 명확해지지요.

“…낡은 육교는 아름다웠다. 생로병사의 아름다움까지도 거기 있었다. 패인 시멘트와 녹슨 철근에서 마치 관절염 걸린 비명이 들리는 듯! 얼마나 많은 사람들의 무게를 견뎌냈을까? 녹신녹신해진 계단과 난간과 기둥의 선. 그 선은 이미 직선이 아니다. 시간은 육교의 강한 직선을 부드러운 곡선으로 만들고 그 거대한 덩어리를 서서히 허물어 내리고 이내 먼지로 만들 것이다.

우리가 그 육교에 피부를 만들어 준다. 가장 동물적인 감각을 느낄 수 있는 호랑이의 가죽을 빌려온다. 그래서 육교의 가쁜 호흡을 들려주고 싶다. 육교의 숨결에 귀기울이게 하고 싶은 거다.
환경과 생태에 대한 담론은 무성하다. 그러나 그 실천의 작은 걸음은 어쩐지 미루고만 있는 우리들. 돌아보라! 존재의 생생함을 느낄 수 있는 것은 의외로 많다.”

작가는 우리 주변에서 이미 존재를 감춰버린 호랑이를 서울 한복판에 되살려 환경문제에 접근한 듯 합니다. 아∼주제가 거대하기는 하지만, 일단 그 방식이 고답적이지 않다는 점에서 마음에 들었습니다. 개인적인 관점에서 한 가지 더 욕심을 부린다면, ‘통과한다’는 행위에 대한 비중이 좀 더 강했다면, 하는 거였습니다.

처음 이 전시의 계획서를 읽었을 때 제일 먼저 떠올린 것이 어떤 터널의 형태였는데, 막상 전시를 보니 그냥 육교를 감싸는 식이더군요. 비닐하우스처럼 둥근 지붕을 올리고 천을 씌운 뒤에 그 속을 통과할 수 있도록 하는 방식이었다면, 그리고 그 공간 안에서 뭔가 독특한 이벤트가 펼쳐졌더라면 작가와 관람자가 소통할 수 있는 가능성이 좀 더 커졌을 텐데…… 아쉬움이 남았습니다.

그리고 작가의 의도와는 별 관계없지만, ‘길’에 대해 다시 한 번 생각해 본 계기가 되기도 했어요. 나는 지금 공중에 난 길을 걷고 있다, 뭐 그런 느낌. ^-^

평소에는 그 존재를 느끼지 못하다가, 어떤 계기를 통해 “아, 이런 게 있었구나” 하고 불현듯 깨닫게 되는 경우가 있습니다. 좀 과장해서 말한다면 ‘경이로운 체험’이라고나 할까요. 공공장소에서 진행된 설치미술 인사동 육교 설치 프로젝트는 이런 발견의 즐거움을 제공합니다.

아쉽게도 이번 작업은 10월 31일까지만 전시되지만, 작업이 오랫동안 방치돼 훼손되거나 처음의 산뜻한 충격이 희미해지는 것보다는, 게릴라식으로 단기간 설치했다가 여운을 남기면서 사라지는 것도 멋있을 거란 생각을 해 봅니다.

* 호랑이로 변신했던 인사동의 낡은 육교는 이제 찾아가도 만날 수 없습니다.
육교가 헐리고 큰 횡단보도로 바뀐지 오래되었거든요..

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