June 05. 2001
| 일반적으로 책이라고 하면 사각형의 형태를 떠올리기 쉽다. 하지만 북아티스트 최영주씨의 생각은 다르다. 최씨는 책이라고 하면 손안의 예술, 접촉의 오브제, 만질 수 있는 즐거움, 작가와 독자와의 의사 소통의 매개물, 공간과 순간의 연속성, 작가의 생각과 감정을 담은 컨테이너 등을 떠올린다. 북아트의 세계는 이처럼 다양하다.

지난 5월 23일부터 29일까지 가나아트스페이스에서는 독립된 예술 장르의 관점에서 북아트에 접근한 최영주씨의 '이런 books'전이 열렸다. 이 전시에는 최 씨가 1998년 영국의 캠버웰 칼리지 오브 아트 대학원에서 북아트를 공부하면서 제작했던 작품과 한국 전래동요를 소재로 한 작품들이 함께 전시돼 눈길을 끌었다.

최씨는 북아트에서 이야기를 가장 중요하게 생각한다. 직접 책장을 넘겨보는 재미란 이야기의 재미와도 무관하지 않기 때문이다.

"보통 북아트로서의 책은 '오브제로서의 책'과 '손에 잡고 넘기면서 보는 책'으로 나뉘는데 제 작업은 후자에 속해요. 직접 펼쳐보는 재미가 있고, 이야기가 중심이 되니까요. 유학을 가게 된 것도, '다른 사람들의 일만 해주다가 내 책은 언제 만드나' 하는 생각이 들어서였어요. 제 책에서는 이야기가 중요하거든요."

일상의 사소한 이야기가 책의 형태로 바뀌어
이런 이야기성은 최씨의 작업에서 전반적으로 만날 수 있다. 영국 유학시절에도 일상에서 마주치는 사물에 대한 인상을 흘리지 않고 책으로 만들었다. 이방인의 눈으로 본 런던은 온갖 이야기가 가득한 아이디어의 원천이었다. 11월에 피는 장미도, 12시 15분에 벨을 울리는 빅벤도, 심지어는 길거리에서 마주치는 빨간 2층 버스와 우체통, 전화부스도 최영주씨의 눈에 사로잡히면 작품의 소재가 됐다.

"전 복잡하고 개념적인 게 맞지가 않아요. 그래서 생각난 걸 그대로 책으로 옮기는 작업이 대부분이에요. 이야기의 구조가 책의 짜임새를 결정하는 경우가 많고요."

예컨대 《Winter, Covent Garden》 는 유학생활 중 코벤트 가든에서 군밤장수를 발견하고는, 어렸을 적 아버지가 군밤을 구워주시던 추억을 떠올려 책으로 만들었다. 군밤 껍질을 까듯 상자를 열고, 순서대로 종이를 '까' 나가면 맨 마지막엔 얇은 철망 아래 앙증맞은 군밤 하나가 놓여있다. 이 책을 영어로 만든 이유도 이야기의 재미와 무관하지 않다.

"이 책이 영어로 된 것도 이유가 있어요. 영어랑 한국어가 어순이 다르잖아요. 영어로 하면, 한 장씩 종이를 펼치면서 내용을 조금씩 볼 수 있게 하는 책 형식에 맞는데, 이걸 한국말로 바꾸면 미리 내용이 중간에 나와버려서 재미가 없거든요."

중고 에그컵에서 아이디어를 얻은 《11 Nursery Rhymes of Egg》는 글자로 된 계란이 에그컵 위에 올라 있는 것처럼 보이도록 투명필름에 인쇄한 에그컵 사진과 영국 전래 동요를 번갈아 제본했다.

"에그컵 모양이 너무 재미있어서 시작한 거에요. 책을 만들고 나서 담을 상자를 찾다가 재래시장에서 상표 없이 파는 계란 상자를 발견했어요. 그런데 상자만 따로 팔지 않아 계란을 얼마나 사먹었는지 몰라요."

이처럼 만드는 과정은 힘들었지만, 덕분에 재미있는 작품을 얻을 수 있었다. 《11 Nursery Rhymes of Egg》는 실제 계란을 깨듯 점선을 뜯어 밀봉된 표지를 열 수 있고, 책장을 넘길수록 동요가 짧아져 계란을 먹어 가는 듯한 느낌이 든다.

최영주씨는 최근 책을 펼치면 동시가 적힌 종이가 꽃처럼 활짝 펼쳐지는 《아름다운 책이 피었습니다》나 '원숭이 엉덩이는 빨개'로 시작하는 동요를 소재로 삼은 《원숭이와 백두산》 등 한국의 전래 동요나 동시를 입체적으로 묶은 책을 만들고 있다. 또한 런던 유학 중에 만들었던 아트북 중에서 11월에 피는 장미에 얽힌 사연을 담은 《The Roses Bloom in The Corner of The Backyard》는 판형을 늘리고 한국어로 번역, 그림책으로 출간할 예정이다.

최영주 씨의 아트북 <뒤뜰에 장미가 피었습니다>

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[웹진 부커스/ 2001. 6. 2]
  '만드는 사진'이란 개념을 도입하면서 사진과 순수예술의 간극을 좁혀온 사진가 구본창의 개인전이 6월 24일까지 로댕갤러리에서 열린다. 이번 개인전에는 자기성찰을 담은 초기작 <열두 번의 한숨>(1985)부터 추상회화에 가까운 최근작 <자연의 연필>(2001) 연작까지 모두 40점의 작품과 싱글 채널 비디오 <샘>(1997)이 전시된다.

형식에 대한 과감한 실험, '만드는 사진'
사진이 오랫동안 예술로 인정받지 못했던 데는 두 가지 이유가 있다. 첫 번째는 사진이 현실세계의 단순복제에 그친다는 인식 때문이고, 두 번째는 필름 원본이 있으면 얼마든지 복수 제작이 가능하므로 희소가치가 떨어지기 때문이다. 그런 면에서 볼 때, 한국 현대사진사에서 구본창의 사진이 갖는 의미는 특별하다. 그는 사진에 에디션을 표시하고 사인해 작품에 희소성을 부여했고, 기성품 대신 손수 제작한 인화지를 사용하는 등 실험을 통해 사진을 순수예술과 대등한 자리로 끌어올렸다.

1985년 독일 함부르크 조형미술대학 석사과정을 마치고 귀국한 구본창은 첫 번째 연작 <열두 번의 한숨>을 발표했다. 서로 무관한 듯한 여러 장의 사진을 함께 배치해 한 작품을 구성하는 형식은, 한 장의 사진만으로 설명할 수 없는 연속적인 의식의 흐름을 보여준다. 피를 암시하는 붉은빛과 우울한 푸른빛이 충돌하는 폴라로이드 사진 연작 <열두 번의 한숨>이 암울한 내면을 직설적으로 표현한 자화상이라면, 뒤이어 제작된 흑백사진 연작인 <긴 오후의 미행>(1985-1990)은 일상적인 이미지 속에 숨은 자신을 찾아가는 여정이다.

초기작에서 드러난 인간 존재에 대한 그의 의식은 1990년대로 들어서면서 생명을 가진 모든 것에 대한 사유로 확장된다. 형식에 대한 실험도 보다 과감해지면서 이른바 '만드는 사진'이 등장한다. <태초에>(1991-1998) 연작에서 여러 장의 인화지를 재봉질로 연결한 인체 사진, 감광유제를 바른 한지에 곤충 사진을 인화한 <굿바이 파라다이스>(1993) 연작, 포토그램 기법을 사용한 초현실적인 느낌의 <굿바이 파라다이스-블루>(1993)가 그 예다. 이 시기의 작품 속에 등장하는 바늘을 이용한 구멍뚫기나 붉은 얼룩은 내면의 상처와 그 치유에 대한 작가의 의식을 반영한다. 한편 1995년의 <숨> 연작은 비슷한 시기의 다른 작품과 달리 형식적인 면에 손대지 않음으로써, 역으로 관람자가 '유한한 삶'이란 숙명을 지닌 피사체에 집중하도록 한다.


사진으로 소멸의 극복을 꿈꾼다
구본창의 사진은 1990년대 말로 접어들면서 자연이라는 캔버스 위에 그린 담백한 추상회화를 연상시킨다. 벽에 남은 먼지의 흔적은 <시간의 그림>(1998)이, 흰 벽에 남은 담쟁이덩굴의 자취는 <화이트>(1999) 연작이 됐다. 쓰러져 누운 풀 위에 쌓인 눈을 찍은 최근작 <눈>(2001)이나 떨어진 솔잎을 찍은 <자연의 연필>(2001) 등, 사물의 특정 부분을 클로즈업한 사진은 작가의 관조적인 경향을 반영한다. 인화지의 테두리를 칼로 반듯이 자르지 않고 손으로 불규칙하게 뜯어내 마무리한 사진은 자연스럽고 편안한 느낌이다. 구본창은 끊임없이 자기 존재에 대해 질문을 던지던 혼돈의 시간을 지나 자연 속에서 평온을 찾았다. 그의 카메라 속에 사로잡힌 피사체는 셔터가 열렸다 닫히는 짧은 순간, 시간의 지배를 벗어나 영원한 삶을 얻는다. 사진을 통해 소멸에 대한 극복을 꿈꾸는 최근 작품 속에서 그가 찾는 '파라다이스'의 미래상을 짐작할 수 있다.


본 전시의 개관시간은 오전 10시부터 오후 6시까지(월요일 휴관). 문의전화 02-2259-7781.

사진작가 구본창 홈페이지

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[웹진 부커스/
2001. 6. 1] 사간동 아트선재센터에서는 4월 28일부터 5월 27일까지 최근의 한·일 디자인 경향을 한눈에 보여주는 액티브 와이어(Active Wire)전이 열린다. 한국시각정보디자인협회(VIDAK)와 도쿄 타입디렉터스 클럽(TDC)이 주관하는 이번 전시에서는 타이포그래피, 일러스트레이션, 만화, CF와 뮤직비디오, 웹 인터랙티브 디자인, 사이버캐릭터, 게임디자인 등 실용적이면서 실험적인 디자인을 선보인다.

한·일 양국의 차세대 디자이너들에게 공통의 키워드는 퓨전이다. 예를 들면, 바디페인팅을 한 남녀 사진과 쓰레기봉투가 조합된 마츠모토 겐토의 작업은 디자인이라기보다 설치미술에 가깝다. 표현방식 뿐만 아니라 디자인과 다른 장르를 넘나드는 작가도 많다. 일러스트레이션을 선보인 ‘없었을텐데 그러므로 나는’은 언더그라운드 밴드 ‘어어부 프로젝트’의 보컬로 더 유명하다. 화가와 디자이너로 활동 중인 다치바나 후미오는 광고전단으로 한복을 만들면서 의상 쪽에도 관심을 보인다. 아트선재센터 1층 아트샵에 전시된 북 디자인 코너에서는 에로틱한 밀랍인형 사진부터 실험적인 타이포그래피에 이르기까지 독특한 아트북을 볼 수 있다.

장르 넘나드는 디자인의 실험무대
이처럼 다양성을 강조한 전시였지만 ‘미술관 안에서 만나는 디자인’이란 제약 때문에 일종의 강박관념이 눈에 띄기도 한다. 《도날드닭》의 이우일과 《누들누드》의 양영순은 기존의 재기 넘치는 만화 대신 점잖은 일러스트를 내놓았다. 시각창작집단 ‘진달래’ 회원이 주축을 이뤄 작업한 아트 포스터는 홍대 앞 담벼락에 게릴라처럼 뛰어들었던 예전만큼 강한 침투력을 갖지는 못했다. 일본의 3인조 그룹 ILLDOZER는 전시실 내부를 칸막이로 막고 그래피티를 선보였는데, 차라리 아트선재센터 건물 벽면처럼 그래피티가 어울리는 곳에 그렸다면 보다 인상깊은 경험이 됐을 것이다.



소통을 전제로 한 웹 인터랙티브 디자인
한편 2층과 3층의 ‘웹 인터랙티브 존’에서는 디지털 문화를 기반으로 한 시각 커뮤니케이션의 다양한 가능성을 접할 수 있다. 컴퓨터 자판을 통한 이미지 믹싱, 웹을 통해 체험할 수 있는 키네틱 아트, 게임디자인과 사이버캐릭터 디자인 등의 인터랙티브 디자인은 친숙하긴 해도, 한편으로는 진부하게 여겨질 우려도 있다. 고해상도의 PC게임에 익숙한 관람자에게는 8비트 게임을 하는 것처럼 지루하게 느껴질 수 있기 때문이다. 그러나 관람자가 직접 참여하는 과정을 통해서 비로소 의미를 띄는 이들 작품의 속성은 디자인의 궁극적인 지향점이 커뮤니케이션에 있음을 반영하는 것이기도 하다.
‘전기가 활발하게 교류하는 상태(Live Wire)’에서 ‘액티브 와이어’(Active Wire)라는 전시명칭이 유래한 것처럼, 이번 전시는 디자인의 개념 확장을 통한 시너지 효과를 확인하는 자리라는 점에서 의미가 있을 것이다.
아트선재센터 개관시간은 11:00∼19:00까지(월요일 휴관), 입장료는 일반 2,000원. 문의전화 02-733-8945.

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[디지틀샘터/ 2001. 4.]실물과 꼭 닮은 그림을 보면, 우리는 흔히 “와, 사진같이 그렸네.”라는 표현을 쓰곤 하죠. 호암갤러리에서 4월 29일까지 열리는 '사실과 환영:극사실 회화의 세계'전에서 이런 반응을 확인할 수 있습니다.

사실 원근법의 도입과 유화 물감의 발명 이후, 평면 위에 재현되는 3차원적 이미지는 사람들에게 익숙한 것입니다. 그러나 기존의 사실주의적 회화가 아무리 대상의 재현에 충실하다 해도 미세한 빛의 변화나 사물의 움직임을 그대로 담아내는 건 불가능했던 반면, 극사실주의 회화는 일차적으로 작가가 대상을 촬영하고, 그 사진을 슬라이드 프로젝터를 이용해서 캔버스에 비추면서 확대된 크기대로 옮겨 그리거나, 혹은 사진을 촘촘한 모눈으로 나누어서 기계적인 확대를 하는 방식으로 제작됩니다. 그래서인지, 완성된 그들의 그림을 보면 스트레이트 사진의 속성과 유사함을 느끼게 되죠.

먼저 미국 극사실주의 회화에 대한 감상을 표현하자면, 잘 그렸다는 느낌 이전에 ‘황량하다’는 생각이 먼저 듭니다. 지극히 사실적인 그림들이기는 하지만, 생생하다는 표현을 할 수는 없었습니다. 박제된 거대한 동물을 보는 듯한 느낌이라고나 할까요. 그림 속의 주인공은 사물이 주를 이룹니다. 랠프 고잉스가 그린 일련의 트럭 그림이나, 톰 블랙웰이 즐겨 그렸던 오토바이, 찰스 벨의 껌 자판기, 로버트 커팅햄의 간판 그림처럼 말이죠.

그림에 인물이 등장하지 않는 것은, 관람자가 그림 속에 묘사된 대상에 집중할 수 있도록 하기 위한 장치라는 것이 표면적인 이유입니다. 그러나 한편으로는 인간보다 사물의 부가 가치를 중요시하는 산업 사회의 물신 숭배를 풍자하는 것으로 생각되기도 합니다. 1985년에 제작된 리처드 에스테스의 그림 <타임스 광장, 오후 3시 53분, 겨울>은 박제된 시간의 황량한 모습을 단적으로 보여줍니다.

1층 전시실 중간과 2층 전시실에는 서정찬, 이석주, 조상현, 변종곤, 김홍주, 송윤희, 김종학 등 한국 작가들의 작품이 이어집니다. 미국의 극사실주의 회화가 화면의 마무리를 평평하고 매끈하게 처리해, 마치 사진을 거대하게 확대해 놓은 듯한 느낌을 더하는데 비해, 한국 작가들은 질감의 표현에서 좀 더 다원화된 모습을 보입니다.

예컨대 김창영의 모래밭 그림이나 김강용의 벽돌 그림처럼, 실물같은 느낌을 내기 위해서 캔버스에 모래를 바른다거나, 혹은 고영훈의 <돌 책>에서 배경으로 책의 낱장을 잘라 붙이는 경우가 이에 해당하는데, 나란히 늘어서 있는 종이 위에 돌 조각이 가볍게 떠 있는 화면 구성으로 초현실적인 느낌도 강합니다.

또 하나의 차이점은, 미국 작가들의 경우 묘사된 사물로부터 거리를 두고 있어 객관성이 두드러지는 반면, 한국 작가들의 경우에는 그런 경향과 더불어 사물을 아주 가까이에서 포착한다거나, 혹은 배경을 간략하게 처리해서 미니멀한 추상 회화와 같은 인상을 준다는 것입니다. 그들이 극사실주의 회화를 표방하고 나섰을 때 반발했던 대상과 어떤 식으로든 이어져있다는 점이 엿보이기도 합니다. 가죽 소파의 단추 부분을 크게 확대해서 그린 지석철의 그림 <반작용>이나 돌의 표면을 묘사한 고영훈의 그림에서 그런 특징이 잘 나타납니다.

극사실주의는 1960년대 추상표현주의의 예술지상적 경향에 반기를 든 팝아트의 연장선에서 해석되는 것이 보통이지만, 그것이 1970년대 한국 화단에 도입되면서 어떤 변화를 거쳤는지, 이를테면 '원조집'과 '전수받은 집'의 차이를 비교할 수 있어 흥미로운 전시였습니다.

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